服裝設計論文匯總十篇

序論：好文章的創作是一個不斷探索和完善的過程，我們為您推薦十篇服裝設計論文范例，希望它們能助您一臂之力，提升您的閱讀品質，帶來更深刻的閱讀感受。

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2.服裝設計教學中的問題

雖然目前各種層次的服裝設計專業教育在全國各地都不斷的建立起來，服裝設計專業的畢業生也在逐漸走上相關的工作崗位，促進了我國的服裝設計行業的發展。但是，隨著時間的推移，畢業生的社會信息不斷反饋回來，顯示我國的服裝設計專業教學方面的出現了一些問題亟待解決。比如服裝設計專業教育只重視藝術而忽視了技術，只重視紙面效果卻忽略了服裝設計的內涵本質等。目前存在很多院校在服裝設計專業成立初期的教學是聘請一些繪畫藝術的美術專業老師來擔任服裝設計教學這一責任的，這種情況下，學生所接受的教學重點就放在了美術基本功和服裝畫的技術上，而服裝設計的的本質和其中藝術與技術的內在聯系卻未被更多地關注到，導致學生只學到了畫，在裁剪技術方面卻沒有學習到更多的內容，就更不要說實際操作了，這樣很難使服裝設計的創意得到完美的體現。進人二十一世紀以后，服裝設計的教學上有了較大改觀，服裝的制圖、剪裁、技術和縫制等方面的教學內容逐步增加，教學過程中更加強調提高學生的實際操作能力和創新能力，偏重于增強學生的專業素質。但是，對服裝設計技術的重視并不等于抓住了服裝設計專業教學的本質，在教學過程中還應該重視如何讓服裝設計中的藝術與技術融合在一起。當前的服裝設計教學過程中，服裝的款式造型與結構設計不能充分結合的現象還比較嚴重，服裝的結構設計課程教學的重點更多地放在普通服裝上，而服裝的款式造型設計和相應的結構設計分析方面的教學內容還比較欠缺。

3.服裝設計教學中問題的對策

3.1引導學生樹立正確的服裝設計觀念

服裝不僅僅是一種商品，它也是一種藝術，其中不僅僅包含著一定的文化素養，還表現了相當的審美水平和文明水平。增強學生的創新精神和實踐動手能力，注重培養學生對時尚元素的敏銳感受力，使學生具有較強的時尚設計意識和設計理念。在教學過程中要強調學生對服裝內涵的理解，在學習服裝結構和工藝技術方面多下功夫，使學生能夠更好的表現服裝的美感，充分體現服裝的功能和意義，能夠用得體的穿著效果來反映穿著者的審美水平，進而使學生樹立起科學合理的設計觀念。

3.2培養學生的審美能力

在服裝設計的教學過程中，最重要的應該教會學生什么為美，什么為不美。只有懂得欣賞美，才能創造出美。教師應該從藝術、時尚和審美三個不同的角度人手，增強學生的對美認知能力。服裝設計是一門涉及到多方面的藝術，它包括視覺方面、造型結構方面等，在表現服裝的設計意義的時候，還應強調服裝中的視覺效果，使設計出的服裝具有較強的藝術傾向和美感。學生應該學會解讀服裝畫中點、線、面、體的視覺語言，了解服裝中各種色彩結合的藝術效果以及各種色彩的象征意義和表達效果。使學生在服裝設計的過程中能夠充分發揮色彩的功能，設計出色彩效應比較藝術的服裝。此外，在教學中應該培養學生對周圍事物要多觀察、細觀察的好習慣，讓學生了解大自然，去大自然中寫生，豐富自己的內涵，提高對美的認知。

3.3服裝的造型與結構結合

進行教學服裝的造型與結構的變化統一，在服裝的設計中是最重要的內容，同時也是服裝設計課程教學中的主要部分。服裝的結構表現在于縫制的過程，縫制是把服裝設計從立體表現到平面，再把服裝從平面表現到立體的一個重要過程。當學生只會設計服裝的紙面效果，而不能將這種紙面的結構關系變現為或者轉化為立體的服裝時，設計只能算是紙上談兵，不能算作學會設計。這就要求在教學過程中老師能夠掌握一定程度的縫制工藝，特別是對服裝結構的設計、分析要有很高的水平。此外，教師對于服裝設計教學內容的安排，不能只停留在畫紙面效果圖作業上，而應該把服裝造型和結構結合起來傳授給學生。

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服裝設計的對象是人，它是美化、裝飾人體、表現人的個性與氣質的一種手段。因此，服裝設計的第一目的是：適合功能，美化人體。同樣，這也是服裝設計構思要遵循的原則。

服裝的存在和發展有著綿延數千年的歷史，而作為設計正式出現在服裝上只有數百年的時間。構思在設計出現以后變得尤為重要，世界服裝設計大師們層出不窮的不凡構思使服裝真正具有了前所未見的內容與形式，從而引導了服裝市場一次又一次的穿著潮流。

構思，“指作者在寫文章或創作文藝作品過程中所進行的一系列思維活動。包括確定主題、選擇題材、研究布局結構和探索適當的表現形式等。”在藝術領域里，一般說，構思是意象物態化之前的心理活動，是“眼中自然”轉化為“心中自然”的過程，是心中意象逐漸明朗化的過程。無論是在生活還是藝術領域里，都需要進行設計。談到設計，就離不開人的一系列思維活動，就離不開構思。有些人在設計時常感到構思貧乏，不知如何下手，或是最終的作品與原來的構思差距很大，達不到預想的效果。因此，服裝設計構思要依據服裝設計原理從以下幾方面思考：如穿著的對象、場合、時間及穿著的目的，還有加工條件、市場情況、人們消費心理及流行趨勢的分析等諸多方面的問題。

一、T(Time)時間

時間(Time)簡單地說不同的氣候條件對服裝的設計提出不同的要求，服裝的造型、面料的選擇、裝飾手法甚至藝術氣氛的塑造都要受到時間的影響和限制。同時，一些特別的時刻對服裝設計提出了特別的要求，例如畢業典禮、結婚慶典等等。服裝行業還是一個不斷追求時尚和流行的行業，服裝設計應具有超前的意識，把握流行的趨勢，引導人們的消費傾向。

二、P(Place)場合、環境

場合、環境(Place)人在生活中要經常處于不同的環境和場合，均需要有相應的服裝來適合這不同的環境。服裝設計要考慮到不同場所中人們著裝的需求與愛好以及一定場合中禮儀和習俗的要求。一件夜禮服與一件運動服的設計是迥然不同的。夜禮服適合于華麗的交際場所，它符合這種環境的禮儀要求，而運動服出現在運動場合，它的設計必然是輕巧合體而適合運動需求的。一項優秀的服裝設計必然是服裝與環境的完美結合，服裝充分利用環境因素，在背景的襯托下更具魅力。

三、O(Object)主體

主體、著裝者(Object)人是服裝設計的中心，在進行設計前我們要對人的各種因素進行分析、歸類，才能使人們的設計具有針對性和定位性。服裝設計應對不同地區、不同性別和年齡層的人體形態特征進行數據統計分析，并對人體工程學方面的基礎知識加以了解，以便設計出科學、合體的服裝。從人的個體來說，不同的文化背景、教育程度、個性與修養、藝術品位以及經濟能力等因素都影響到個體對服裝的選擇，設計中也應針對個體的特征確定設計的方案。

四、加工條件

服裝工藝的功能性與裝飾性要通過相應的加工條件才能體現出來，與服裝款式、服裝材料、服裝工藝三者進行融會貫通。只有能實現的設計才是好的設計，好的設計要有好的構思。設計師在構思時要考慮加工制作的可實施性。比如：①人體平均尺寸、人體運動功能的放松度、當時的流行尺寸；②面料的質地、性能、輔料、配件的選用；③裁剪方法、工藝車縫還是手工藝制作。這樣，才能使最后的成品服裝既符合設計者的意圖，又能保持服裝制作的可行性。

五、市場情況

設計師在構思階段要進行市場調研，把握當時當地的歷史潮流和市場變化。資料信息市場：時裝信息、流行趨勢、設計師手稿資料；成衣市場：品牌、批發與零售；服飾市場：首飾、配飾、美容護膚等；生產一線市場：制作、洗水、制衣、整染、印花等。了解不同的檔次要求和品質要求，對成本價格要核算。這樣在設計構思時，才能廣開思路，廣泛借鑒。作為一種產品設計，服裝設計效果的優劣不是靠某位專家來評說的，而是由市場來檢驗的。因此，設計師如果對自己所服務的目標市場一無所知就構思設計，那將非常危險，因為其設計投產后很可能不被市場認可而造成積壓，給企業帶來巨大的經濟損失，甚至使之倒閉。設計師應保持自己的個性和獨特的設計風格構思，但這并不等于無視市場的需求。設計師與畫家不同，不能孤芳自賞，一定要時刻注意把握市場的新動向，在保持自己的設計風格的基礎上，一定要站在消費者的立場上來構思服裝，每個細部都經營到位，這樣才能在激烈的市場競爭中立于不敗之地。

六、人們消費心理及流行趨勢

設計的主體是人，好的設計構思要吻合人們的消費心理，滿足人們的消費需求。服裝流行意味著人們服飾審美心理和審美標準的變化，反映了在不同時代和環境條件下，人們的個性表現和社會規范之間的平衡和協調。服裝設計師把握服裝流行的脈搏，洞悉服裝流行的趨勢。構思設計時針對所要設計服裝的消費層的消費對象的風格、喜好，以市場需求為設計定位。這樣，才能使設計構思順應潮流、趨向成熟、有所創造。

服裝設計構思和一般的藝術創作活動，既有共性，又有個性。其共同點是它們來自生活，來自創作者的思想指導。不同之處在于藝術創作相對有更多的獨立性和主觀性，而服裝設計必須通過生產環節與市場銷售才能體現其價值，帶有較多的依附性和客觀性。由于服裝設計的創作活動需要依賴人體，依靠紡織材料和加工生產相結合，所以在服裝設計的構思中，必須兼顧到這些必要的因素。

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二、節目內容因素

在雜技服裝的設計中，節目的主題和內容是必須考慮的。雜技服裝不同于戲劇或歌舞的演出服裝，它的設計可能沒有特定的對應人物，但是卻有鮮明的指向性內容要求。設計師在設計過程中，需要首先對節目的內容進行了解，都有那些具體的表演動作以及配合的道具和場地，在結合舞臺效果綜合之后才能最終確定演出服裝的整體顏色和款式。另外，即使在同一節目中，不同的演員也有著不同的著裝要求，只有根據不同的角色進行細致的分配，根據節目想要表現的主題來進行顏色與款式的搭配，才能設計出凸顯節目主題內容的服裝。

三、技術因素

在雜技服裝設計的過程中，往往會遇到一些選材和技術的問題，為了追求更高的藝術表現力，設計者往往會在選擇服裝面料的時候嘗試一些特殊的材料和高新技術以期達到意想不到的舞臺效果。但目前，我國現有的特殊服裝制造技術水平與國外還有一定的差距，服裝設計者的設計理念和創意，有時會因為技術的局限而擱淺，導致在設計的過程中，設計師不得不降低標準與預期，這不得不說是一種遺憾。因此，雜技服裝設計師在設計的過程中必須實事求是，在現有的技術條件下進行創作，充分發揮自己的創造力來爭取更好的效果。

四、創新因素

觀眾的審美需求也對服裝設計師們提出了更高的要求。過去的雜技演出中服裝設計都比較單調，有些時候甚至整場演出中演員都只穿同一套服裝進行表演，顯然，這種穿著容易讓觀眾產生視覺疲勞。現代雜技要求雜技服裝成為整個舞臺演出的一部分，在設計服裝的過程中，設計師應充分發揮想象力和創造力，在可能的條件下做出更好的舞臺效果。服裝設計的創新可以從款式、面料、色彩等方面進行考慮。在款式方面可以在原有設計的基礎上加上一些裝飾物來為整套服裝增添光彩，也可以注重一些細節的設計來凸顯整套服裝的品位：在面料方面，設計師可以大膽地嘗試各種材料來取得更佳的效果；而在色彩方面，在進行創新的同時一定要注意整體顏色的搭配和協調性。

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2瓷器裂紋在服裝設計中的設計方法

2.1具象表達

直接移用是指將瓷器裂紋直接移用在服裝設計中，結合服裝的整體風格、設計主題，搭配合適的色彩，它是最容易掌握，也是最常見的設計方法。將瓷器裂紋直接印染在真絲上衣上，搭配飄逸的水藍色雪紡長裙，展現出女性純凈自然、天然去雕飾的美麗。但采用直接移用的方法進行設計時，容易出現套用紋樣，設計死板的情況。在服裝設計中，除了直接移用外，也可以在掌握瓷器裂紋形貌的基礎上，進行變化設計，即變化形的設計方法。瓷器裂紋的形的變化元素有點、線、面的形狀和大小。

2.1.2.1變化形的種類服裝設計中瓷器裂紋變化形主要有兩類：

①保留與舍棄。保留與舍棄，是指在裂紋元素中選取一個方面進行保留，其他方面進行擠壓、重疊、夸張、分離、拆解等變化。就是在服裝面料圖案中保留了瓷器裂紋線，擠壓面的變形設計，凌錯、重疊的部分更多。則是保留了裂紋的塊面感，將裂紋線進行分離、規整，在面中填補新的紋路。

②象形變換。它是模仿瓷器裂紋的形貌的變換設計。將裂紋線的人形、X形、K形等進行扭曲、裝飾，賦予新的形象內容。將裂紋線進行不同的裝飾變化與扭曲變形，象形變換后，更具藤曼纏繞的野性美。則表現出繁花似錦的裝飾美。象形變換可以使瓷器裂紋更貼近服裝整體的設計主題與風格，聯想豐富，具有一定的靈活性。

2.1.2.2變化形的接合方式瓷器裂紋是由單個形接合成為整體的紋樣，更容易體現出次序美、節奏美。在服裝設計的應用中，針對這一特點，除了變化形以外，還有變化接合排列方式的設計方法，排列接合方式分為有序排列接合與無序排列接合：

①有序排列接合。它是指裂紋元素按照一定的規律進行有秩序的排列接合，是從理性出發的接合方式。如平均排列接合、漸變排列接合和按比例排列接合。如圖6為相同紋形形狀、大小進行均等接合的平均排列接合，體現出服裝的簡潔、莊重。漸變排列接合，是指將單個裂紋按照大小、深淺、疏密等變化進行接合排列。通過從上到下以此增大裂紋面積，改變疏密形成節奏美，設計而成的晚禮服，純凈高貴，自然典雅。按比例排列，是利用裂紋單個元素之間的間隔比例來營造出視覺張力，創造出來的圖案造型秩序感、節奏感強。比例排列接合常用到幾何學相關研究理論，例如三角形、矩形、正多邊形的黃金比例，斐波那契數列、等差數列、等比數列和調和數列等比例模式以及無理數根號矩形的原理得出的比例模式等等。按比例排列接合，實際上就是按照這些具有規律性及特殊藝術特色的比例模式將瓷器裂紋進行排列接合，及按照“數比美”排列接合。

②無序排列接合。它是指從感性出發的無規則自由接合。依照形式美法則的自由接合，沒有比例意識，風格奔放、熱情，隨意性比較強。無序排列接合方式的裂紋紋樣注重激情、玩味，無法預料紋樣走向，帶有張力，有獨特的視覺審美。如圖8為瓷器裂紋無序結合的設計方法設計而得的服裝，豐富混雜了設計師的情感因素與設計契機。優秀設計作品中的無序排列結合需要較好的感性表達與審美情趣，無論偶然迸發，還是反復修改，都需要日積月累的藝術素養。如果把握不好，很容易弄巧成拙，雜亂無章，表現不出作品的美學性。

2.2抽象表達

瓷器裂紋在服裝設計中的運用，不僅是對裂紋形的應用與變化，還要將瓷器裂紋的意蘊美融入其中。“意”的表達不同于“形”，是用簡單代替復雜，與相關的一些材料、工藝手法或獨特的服裝造型相結合，象征似的表達，即是一種抽象表達。抽象表達不同于具象，更傾向于情感的表達。在設計中，虛化減弱裂紋元素的一些形態特征，著重表達瓷器裂紋在服裝中的設計意蘊，或者提煉出瓷器裂紋美學性的一個點，作為靈感來源或表現手法，結合現代服裝的特點來進行設計。前者沿用瓷器裂紋的風格感受，為2014年春夏巴黎時裝周中關于瓷器裂紋“意”的延伸與聯想的服裝設計。其中GiambattistaValli的女裝設計中，寫意的點、虛化的線、界限模糊的面、大面積透視與黑色的簡單色彩關系是抓住了裂紋元素自然隨性的特點，進行意的延伸設計。而PedroLourenco的設計則表現了瓷器裂紋的純凈天然，紋路如水似畫的感受，沒有刻意得表現裂紋的形態，它更貼近現代生活時尚前衛的風格，只是把瓷器裂紋的某一個視覺特點作為表現形式。另外，MashaMa的設計結合了服裝色彩與造型，著重運用了裂紋分割而產生的非平衡的視覺張力，從而使服裝更添光彩，現代前衛感十足。在實際的設計中，前期構思的時候，就要抓準設計主題與風格，元素靈感都是為了最終設計的服裝而服務，確定風格后，找出切入點，將主題風格貫穿到整個設計中去，不要拘泥于一種設計表現手法，也不要過分追求形或意的界限，從而本末倒置，或者導致設計出的作品雜亂毫無表現力。

3瓷器裂紋在服裝設計中的工藝實現方法

將瓷器裂紋運用到服裝設計中去，工藝實現方法是很重要的一環。工藝美是技術和藝術的美學融合。在這里將瓷器裂紋在服裝設計中得以實現的工藝手法，分為平面效果的工藝實現手法與立體效果的工藝實現手法。

3.1瓷器裂紋平面效果的工藝實現方法

平面效果的工藝實現方法有印花、蠟染、扎染、繡花、提花。印花得到的裂紋效果基本能夠達到設計圖的紋樣造型和色彩，對設計限制相對較少，適用性比較大，一般不會破壞服裝面料本身的風格和手感，批量生產的成本相對較低，在實際市場中運用得較多。蠟染和扎染，屬于傳統手工藝。蠟染效果的裂紋深淺不一，紋路粗細濃淡也不相同，有些地方深邃，有些地方若隱若現，虛實相生，變化自然，有獨特的傳統韻味，常用在一些民族風的現代服裝設計中。扎染，利用線、繩捆扎在染液中煮染，跟蠟染的效果有相似之處，但是借助捆扎的外力煮染，同時具有暈染和裂紋的肌理效果。提花、繡花是在織造過程中形成裂紋效果的織紋面料，在平面的視覺感受下有一定的凹凸觸感和不同于平布印染的光澤效果，應用也比較廣泛。

3.2瓷器裂紋立體效果的工藝實現方法

隨著工藝技術的發展，服裝面料工藝的實現也更加多樣化，肌理效果更加豐富，結合瓷器裂紋的特點，可以采用疊加、鏤空、編織、物理、皺褶等方法，來實現立體效果。立體效果的瓷器裂紋更有層次感、空間感，視覺效果也更加豐富。疊加，即在面料的表面縫制裂紋線或粘合裂紋面的工藝手法。可以根據服裝的設計效果做不同風格的疊加處理，如在薄透的面料上，沿設計紋路粘合遮擋的面輔料，既可以產生裂紋的效果，又滿足了遮體的功能增加了服裝的可穿性。鏤空，通過一些切割雕刻、腐蝕加工的方法處理服裝面料，實現瓷器裂紋的效果。瓷器裂紋最初在建筑設計中的運用，就常采用鏤空的加工手法。在服裝設計中，鏤空工藝的瓷器裂紋效果，面料較為硬挺，風格偏向建筑風格。編織的方法很多，手工編織、機器編織都可以產生不同風格的裂紋效果。可以用條狀的面料、繩、線進行編織，也可以直接在織制面料時，將瓷器裂紋作為花型圖案編織出來，比如蕾絲、刺繡的效果。皺褶也可以產生有立體美感的瓷器裂紋效果。皺褶改變了面料的光澤、質感，使面料跟具備動感與層次感，與瓷器裂紋的豐富生命力美感相吻合，二者相得益彰，使服裝更添光彩。

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2學科整合，知識連貫

高等教育的服裝專業是科學技術和藝術設計相結合的交叉學科，衍生出藝術學設計類的服裝與服飾設計專業和工學紡織類的服裝設計與工程兩個學科。兩個學科雖有不同的側重，但相互交融都涉及到美學、文化學、心理學、材料學、工程學、市場學、色彩學等要素。可以說，服裝設計就是“根據設計對象的要求進行構思，并繪制出效果圖、平面圖，再根據圖紙進行制作，達到完成設計的全過程”。筆者認為，應在高中美術教育中加大關于服裝的審美和品味教育，不僅可以使得學生對自己的興趣點有一個初步的了解，避免高考后填報志愿時的盲目，進入大學后也有了一定的思想準備和知識儲備，還可以樹立青年正確的價值觀。具體如下:首先，大多數的服裝與服飾設計、服裝設計與工程兩個專業大一新生在入學時幾乎對服裝一無所知，這就使得大學的服裝專業必須從基礎的服裝藝術教育開始，進而再進行服裝技術(技能)教育。基礎的服裝藝術教育勢必會擠壓一部分技術(技能)教育的課時。由于到大學階段(18歲后)已經過了培養審美的最佳時期了，這時再進行服裝藝術教育可謂事倍功半。筆者認為，可以提早至高中實際進行初步的服裝審美和拼配的熏陶，使學生進大學后有一定的基礎，那么大學的服裝教育從形式美的法則開始提高學生的藝術修養后，可快速地進入服裝技術(技能)教育。將服裝的基礎知識下沉至高中完成，則大學教育可從一個較高的起點繼續進行，節約了基礎教育的時間，增加了技術(技能)教育的課時，從而更加從容地提高了職業教育品質。其次，現在我國青年的整體品味和審美不是很高。青年人中“頹廢”“邋遢”“不修邊幅”“個性(非主流)”的現象常常見于報端。究其原因，很重要的一點是在其青春期時段，我們的審美教育、文化素質教育并沒有被重視。高中時期的學生正屬于青春期，這一時期是學生的人生觀、世界觀和價值觀形成的重要時期，在這一時期著力學生的審美培養，可以事半功倍地幫助學生樹立高品位的審美。無論學生在大學選擇何種專業以及畢業后選擇什么工作，高品味的審美可以提高學生的整體氣質和形象，也容易在社會中形成正確的主流價值觀。

3注重實踐，從做中學

現今無論高中教育還是大學教育都提倡實踐教學，高中美術課或大學服裝專業亦不能例外。

3．1高中時期:服裝設計的藝術與技術之結合

以同一個主題、高中階段的學生作品來做分析，總結歸納出學生的特點和接受能力，然后策劃一組可行的活動方案，最后爭取以動態服裝秀來展示成果，形成專題化的教學模式:1)靈感源的尋找，幫助學生發現細微之處的美妙，城市排水管道中的閃爍物質都可以讓設計師產生設計的靈感;2)款式設計，教授學生一些基本的服裝款式類型，拓展輪廓的造型線;3)筆者設計，體驗設計師的感覺，統籌兼顧，提高鑒賞和動手操作能力;4)市場反饋，讓學生們形成一個選購團體，得票最多的就是最具有市場性的服飾，其初步設想，可以調整和改變。項目組結合專業特點，將高中新課程美術課與通用技術服裝及其設計模塊教學相結合的研究，不僅嘗試了學科整合的研究，同時將各學科之間的優勢突出并形成互補。曾做過“尋找設計靈感源”“服裝外輪廓設計”“服裝再造設計”區級觀摩課、校創優課;在授課中進行一定的實踐教學，讓學生充分體驗效果圖的繪制、立體紙模的制作、服裝再設計(改制設計)、主題的綜合設計。例如，在《尋找設計靈感源》這部分內容中，前四節課讓學生學會如何尋找靈感源，再結合所給設計元素完成一款服裝的設計。這樣，做出的服裝可能會有些粗糙或不成熟，但是對于以了解和提高審美品味為主要目的的高中美術教育顯然是可以接受的，且可以使得學生體驗跨學科教學之互補、優勢、專業技能等方面之美，降低因學科區分而帶來的專業弱化之困。

3．2大學時期:服裝設計的藝術與技術之結合

大學的服裝專業教學，可以采取課堂理論教育與課外實踐(實習)活動相結合的形式展開。課堂理論主要進行服裝設計的藝術教育和一定的服裝工藝制作技術教育，而由于服裝專業的特點，課外各種實踐(實習)活動對學生的專業提高有著至關重要的作用。筆者認為，對于大學階段的學生來說，更重要的是讓他們參與到教學中來，體驗專業的魅力。因而，大學服裝教育應該是課堂講授藝術理論基礎、實踐教學提高技術的模式。一個專業會有若干個不同的就業方向，增加時間會對他們未來的就業選擇有一些引導。讓大學生“動”起來，參與到教學和學習活動中來，學習相關的專業知識與技能，以及進行專業實踐;使學生能夠恰當地使用設計或工藝的術語，從功能和審美的角度，以自己的觀點評論和設計作品;靈活選用身邊的材料，運用各種工具和加工方法，根據功能和審美要求，有創意地完成一件設計作品。這樣，才是國家大力提倡的加快發展“現代職業教育”的精髓和實施方案。

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2青花藝術的升華———青花于服飾品的應用

服飾品的設計必須體現個性化的風格和特色，尤其如今人們的求異觀念，對服飾品設計提出了獨特、創意的高要求。在中國風盛行的今天，青花藝術作為民族元素的代表，被廣泛運用于服飾品設計，如圍巾、腰帶、鞋子、包袋及各種首飾，民族元素與時尚元素的融合，使青花文化得到進一步的升華和發展。1956年，迪奧公司再次詮釋魅惑藍，設計了“藍魅”系列的腕表，將經典的藍色與銀白色完美結合，留下了經典的作品。以青花為靈感設計的三連陶瓷戒指玲瓏剔透，不僅精巧，還帶有一定的趣味性，加之象牙白與淡湖藍色的映襯，更顯得別具一格。青花文化于服飾品的設計運用，使民族文化與時尚風格相互滲透，思想與意境相互融合，契合了當代人的審美需求。

3青花藝術于服裝設計中的創新

自20世紀90年代始，民族風沖擊著整個時尚界，怎樣深入研究民族文化的精神內涵與意蘊，是設計師一直探索的問題。日本著名平面設計師永井一正先生針對中國現代設計說過這樣一段話：“當我觀看中國的現代設計時，我覺得你們對于傳統藝術過于珍惜以至于直接地將圖案用于設計”[5]。這句話非常明確地指出了中國現代設計的一些弊端，其也正是青花藝術運用于服裝設計的最為突顯的問題，即缺乏對青花藝術的深層次探究，更多的是直接移用。這種一味堆砌傳統元素的做法，是與當代人的審美需求相悖的。歷史總是在傳統文化與外來文化碰撞、融合的過程中不斷前行的，傳統元素只有與時俱進，融入現代的設計風格，才能彰顯其藝術感染力和生命力。

3.1探索青花藝術的豐富內涵

青花是一種來之于民，用之于民的藝術，一直保持著自然純樸的藝術特色。而探索創新只有建立在深入了解的基礎之上，只有知曉青花藝術的構成、發展及不同階段的特色，才能在運用中表現出切合時宜的風格特征。青花藝術從內容到形式，都具有民族化、多樣化、大眾化的特點，圖案構成和題材多樣，人物、花卉、山水、動物、書法等在不同的時代表現了不同的生活氣息和民族感情[6]。在明朝以寫意紋樣為主，構圖線條簡潔、流暢，在圖案化紋樣中，以動植物、人物為主，也追求一種意境的體現。而在清代則以寫實紋樣為主，意境較為通俗，大都表達吉祥美好的寓意。只有透徹地理解這些圖案構成的原則和藝術方法，才能進一步深入研究審美原則和設計規律，為設計創新打好基礎。

3.2創新青花藝術的解構思維

所謂解構可以理解為在解開、分解之后再構成，是一種設計的手法。在服裝設計中，則是對服裝的外部造型及內部結構從非傳統的角度進行某種分解重組處理，形成新的樣式，體現不同的設計風格。青花藝術在服裝設計中的運用主要表現為兩方面，一為色，二為圖案。青色即為現代所稱的藍色，是古代五行中“木”的對應色，也是現代“三原色”之唯一的冷色。中國人自古就有尚藍情結，追求一種沉穩、低調的處世哲學，而隨著社會的發展，人們的思維也隨之變化，個性化需求、創新意識逐漸突顯。服裝設計師加利亞諾就曾運用解構思維設計了一系列青花禮服，其設計打破了青色、白色的比例，并將圖案、服裝廓形進行了重組，給人們帶來了耳目一新的視覺享受。而對于青花紋樣的解構，更是打破了傳統的固定模式，在大小、疏密、結構等變化中，將傳統風韻與時代感融合，雖然直觀看不出是哪種傳統圖案，但是中式風格卻是毋庸置疑的。如此模糊、破碎、奇特的創新設計，不僅符合了當代人的審美意識，也使得青花這一民族傳統藝術得到了進一步傳承和發展。

3.3建立基于傳統的服裝設計學理論

青花圖案停滯不前的根本原因之一就是缺乏必要的理論指導，青花運用的成功案例大多帶有一定的實驗性。近些年，我國的民族化研究取得了一系列成果，但缺乏特定領域的針對性成果，對青花這個經歷數千年推演進化的視覺符號，并沒有去潛心研究其形成過程中的創造性思維和構成法則，及其所體現的傳統文化之根本。建立完整的傳統文化與現代設計的邏輯論證體系，為現代設計理念中引入傳統元素提供理論依據，形成傳統文化的利用程序及方法，才能更有利于青花藝術于服裝設計領域的創新。

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二、舞臺服裝設計的美學藝術

1.舞臺服裝款式可以塑造角色的形象美感

塑造舞臺上的人物，一般比較注重外部形象，適合表演者的服裝不僅可以讓演員獲得更多的自信，還可增加觀眾對角色的認同感。服裝設計需滿足舞臺的人物形象要求，結構和款式是較為關鍵的因素，一般舞臺服裝設計可采用以下對比方式：收緊對比、窄寬對比、長短對比、不對稱和對稱對比等；服裝結構設計采用長短、松緊不同等方式；服裝設計的風格可采用如下表現手法：現代和古代、寫意和寫實等表現手法，使角色特點得到充分展示。部分舞臺服裝用夸張的表現方式來進行設計，實現與時尚接軌，其能進一步提升演員的表演力及形象。設計師在設計的前期，應認識到導演在塑造人物時的思想，如導演一貫的指導風格、歷史背景、情緒中涵蓋的音樂元素、任務角色具有的特征以及任務演員自身特點等方面。在舞臺服裝的設計中，所涉及的主題包括服裝是否與劇情相符、是否具有鮮明的人物特征、現代與傳統是否具有明顯的劃分以及繁雜或是簡約設計風格是否確定等。為了設計出比較好的舞臺效果，設計師應深層次了解和掌握以上主題元素。

2.舞臺服裝色彩可營造舞臺的氣氛

舞臺服裝是舞臺表演者重要的語言表達符號，舞臺演員可借助繁雜的服裝張顯不同角色的表演，設計師應對重點掌控服裝的顏色。在日常的生活中進行服裝設計，可以采用不同的色彩來展現舞臺演員的喜好、性格以及審美情趣，可進一步依靠色彩不同的搭配來展現人們的修養與情感。另外，還應和人物性格所處環境匹配，而且還應兼顧美觀和舞臺功能的需要，舞臺的色彩其決定性作用的是燈光和布景，服飾是細節，舞臺主題、色彩風格都可通過服裝來體現，服裝作為一種流動式色彩板塊，能很好的營造氣氛。以舞臺作為特色的表現手法，顏色搭配應根據不同的主題變化來決定，如冷色調的賑災晚會；暖色調的國慶晚會，兩種主題采用的基調和風格是完全不同的，舞臺服裝色彩的飽和度以及明暗度都是為了舞臺畫面背景而服務的。

3.舞臺服裝應選擇合適的面料

舞臺服裝面料在選擇上也較為講究，一般選擇吸收光源能力較強的面料，一般以棉、麻、絲、緞為面料。并要求結合不同的工藝來進行選擇，也可以把材料進行二度的制作，以達到展現更多材質肌理的目的。為了滿足舞臺的演員角色表演的目的需求，面料選材具有相當高的要求，材料的厚薄、輕重、密透、光亞、垂挺、軟硬以及彈性的高低等都是面料選擇時應考慮的因素，它們必須依靠服裝來展現效果、表演方式以及角色動作。隨著科學技術的不斷發展，舞臺負責的材料也有了更多的選擇，例如金屬、塑料制品以及絲織品等都可以用來制作材料。

4.審美基礎是精湛的工藝技巧

服裝工藝的劃分主要包括制作和裁剪，精湛的裁剪手法能創造出合身的服裝進而展現出更加自如的形體美。每一種舞臺藝術的表現過程都無法離開服裝的輔助表現，舞臺人物可以通過語言表達、肢體動作、音樂唱歌等的不相同的藝術表現的形式來塑造主角特征。另外，角色的性格和特色是通過把舞臺服裝當成是一種外表的符號來展示的，這起到有效塑造人物的作用。設計師在設計時應把握好分割線與結構設計，舞蹈服裝增加舒適感必須兼顧運動和表演兩個方面，舞蹈藝術作為重要表現形式的舞臺上，對服裝的舒適度顯得更加注重。舞劇是集時間、空間以及綜合因素為一體具有動態性的藝術的表演，舞劇演員一般通過夸大肢體的動作來展現任務的特征。在舞臺上服裝設計中用得較多的還有立體裁剪方法和平面裁剪方法，設計師在裁剪時都是將人體結構排在第一位的，需貼近人體的不同部位進行裁剪，并盡量做到準確和細致。實用性較強的服裝一般縫制工藝的手法和結構設計都是固定的，舞臺服裝應打破這種束縛，為設計出與演員氣質和身體相協調且符合舞臺需要的服裝，應注重裁剪手法，縫制工藝以及結構設計等方面，以求不斷創新，推動舞臺服裝藝術的快速發展。

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二、民族元素在時尚服飾中的運用

我國的民族文化與藝術為服裝設計領域提供了極其豐富的表現形式和設計素材，如唐三彩、中國水墨畫、青花瓷、園林景觀、民間手工藝、少數民族服飾品及工藝品都可以激發設計師的靈感。例如“東北虎”打造的就是中國奢侈品牌服裝，在設計中常常運用旗袍、唐裝、漢服、折扇、書法、刺繡等民族文化元素，每次會都蘊含中國民族文化；“天意•粱子”的作品中，很多都是采用中國傳統桑蠶絲面料，借鑒中國書法藝術、刺繡等設計元素體現本民族的形式美和神韻美；“玫瑰坊”郭培的設計常常借鑒中國宮廷服飾造型、青花瓷、吉祥圖案、刺繡等民族文化元素，設計師在運用刺繡時強調色彩的配色、過渡、分割與合成等方面；而吉祥圖案元素可以較自由地運用解構、移位、變形等方法，再將圖案進行設計重組，形成新的獨特效果。例如香港服裝設計師張天愛曾運用鮮艷的晚清時期龍紋蘇繡，在設計過程中龍紋僅僅是龍紋，不具有任何的象征意義，只是作為一種服裝圖案。因此，在運用民族文化元素時，必須從整體出發，考慮服裝的款式、材料、色彩及服飾配件，包括化妝都要形成統一。從現代的審美情趣出發，把民族文化與時尚相融合，對這些設計作品的元素符號進行視覺設計的表達，展示東方式的生活美學。

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2色彩圖案

嬰兒服裝的色彩以柔和、明亮的淺色系為主，淺色調能給人溫柔、平和、寧靜的感覺，具有減少哭鬧、安撫嬰兒情緒的作用，另外淺色也方便家長及時發現衣物上的污漬，從而進行更換和洗滌。服裝的圖案以花草樹木和可愛的卡通圖像為主，裝飾設計手法可以采用抽褶、加荷葉邊、輯明線、各種花邊、繡花、貼布、印花、蝴蝶結等，不宜采用金屬鏈條、紐扣、珠子等裝飾，以免劃傷嬰兒或被嬰兒抓下誤食。

3款式造型

嬰兒服裝的廓形以H型、A型和O型為主，H型的服裝不放擺不收腰，外觀給人大方休閑的感覺，符合嬰兒腹部凸出無三圍區別的體型特征，A型服裝的特征為上小下大，下擺呈外張狀態，這種造型也適合嬰兒窄肩凸肚的體態，造型活潑可愛，O型腰部寬松而袖口、褲腳口收緊，主要用在現在比較流行的連體哈衣中，能使嬰兒在玩耍時身體不受拘束。

4內部結構

嬰兒服裝的結構少用或不用分割線、省道等，以使服裝盡量貼體、舒適，避免服裝縫份對嬰兒嬌嫩的肌膚產生摩擦損傷。一周歲以內的嬰兒，因脖子還未長出，頭部和軀干幾乎是連在一起的，因此領部不宜設計立領、翻領、連帽領等領型，而是以無領或假領為主，上衣前襟要略長，以遮住肚臍，避免受涼。一些廉價劣質的嬰兒服裝，都將褲腰設計得非常小，而很多家長尤其是老一輩的人，都遵循著要保護嬰兒肚臍的原則，將褲子系得很高，高到胸腹甚至腋下，這種褲子嚴重束縛了嬰兒的胸圍和肺部發育，對嬰兒的生長發育產生了十分惡劣的后果。若松緊帶過松，則褲子又容易下滑。此時可采用背帶式或連體式結構，既保護了嬰兒肚臍又防止下滑，且不會限制孩子的活動。六個月以內的嬰兒，主要姿勢為平躺，因此可以設計開襠褲方便把屎把尿，六個月后，嬰兒逐漸能翻身并爬行，活動范圍變大，接觸的環境更為復雜，而嬰兒自身的免疫系統還不夠完善，對細菌病毒的抵抗能力較弱，穿開襠褲就容易讓外界的細菌、灰塵入侵，對寶寶的皮膚及身體器官造成危害，因此宜采用合襠結構。設計時如能將褲腳和襠部分開，采用前端扣合的方式，則不僅可方便家長把屎把尿，還能保護寶寶的身體不受外界細菌侵害。一周歲以內的嬰兒還不具備自理能力，所有服裝及配件的穿脫都是由家人代為完成的，因此宜以前開襟為主，少用套頭式，如采用套頭式結構，則應在肩部開口，安裝紐扣、系帶等扣緊材料，在不加大領口的同時又保證服裝能順利穿脫。

5工藝

單層服裝的縫邊不應以布包邊，而應以細線鎖縫或采用內外包縫的方式，以最大程度減少服裝縫邊的厚度，貼身的內衣少用繡花，以柔軟無起伏為佳，如需在嬰兒貼身服裝上加“成分嘜”或“洗嘜”，則應固定在外面，以免標簽摩傷嬰兒細嫩肌膚。

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在戲劇表演的過程中，演員是服裝的承載主體，通過表演展示服裝設計的水平。對于戲劇作品中的同一個人物來說，不同演員的演繹會產生完全不同的藝術效果。決定不同演員藝術風格和特點的要素主要包括外在形象、氣質、性格等等外在因素，也包括藝術修養、文化水平等內在因素。對于服裝設計師來說，需要根據不同演員的這些特點來設計適合的服裝，服裝的風格、款式和面料等等既要符合演員的個人特質，又要符合劇本中的人物角色特點，這對于服裝設計師來說是一個巨大的挑戰。

1.2導演

在戲劇舞臺表演的過程中，導演的重要作用不言而喻。導演要對舞臺表演的全過程進行嚴格把控，既要根據劇情發展的需要來分配不同角色的戲份，又要根據劇情的需要來指導道具、布景和服裝等藝術設計。在這個過程中，導演會根據戲劇劇本的內容以及自身對于戲劇藝術的理解和認識來制定服裝設計的基本原則和思路，服裝設計師需要根據導演的總體思路和要求來相應地進行設計。值得一提的是，雖然導演提出的服裝設計模式和方案未必得到全部的貫徹和執行，但是服裝設計師必須在充分尊重導演的藝術設計和構想的前提下開展工作，確保服裝設計作品能夠完全符合戲劇表演的需要，實現藝術的高度融合。

1.3舞臺表演

舞臺表演的需要也是決定服裝設計的重要因素之一。在戲劇舞臺表演的過程中，演員除了要保持靜態的狀態以外，還需要大量的表演動作來推動劇情發展，展示人物形象。為了達到藝術表演的效果和要求，演員必須要穿戴合適的服裝，這就對舞臺表演服裝的材料、款式、裁剪等等都相應地提出了要求。特別是一些對于動作要求較高的戲劇舞臺作品，例如雜技、武術表演等等，服裝設計師都要充分考慮到表演過程中演員的各種需要。因此，近年來許多服裝設計師都廣泛采用了滌綸等耐磨、高彈力材料作為服裝設計材料。

1.4技術因素

在戲劇舞臺表演的過程中，除了演員的因素以外，燈光、道具、布景等技術因素也會對服裝設計師的設計方式產生一定的影響。例如燈光的明暗、數量、布置等燈光技術的運用，將會直接影響到人物服裝藝術效果的展示。例如在相對昏暗的舞臺環境下，演員身穿紅色、高反光度的服裝，配合追光燈，能夠產生出十分鮮明的視覺反差，給觀眾留下深刻的印象。因此，說，在為戲劇演員設計服裝的過程中，服裝設計師還要綜合考慮到舞臺表演的各種技術性因素，采取不同的設計方式和方法，達到應有的藝術效果。

2、對于提高服裝設計水平的思考

筆者認為，為了有效提高當代國內戲劇服裝設計水平，我們可以采取如下幾方面做法。

2.1服裝設計師要進一步提高劇本文本閱讀分析能力

劇本文本是編劇藝術構思的外在體現。服裝設計師通過對劇本文本的細讀和分析，要得到文本以外的深層次信息，這對于全面準確地理解編劇的藝術構思是至關重要的。當前，國內出現了一批新生代的戲劇作家，這部分作家的創作思維較為先進和新潮，這就給服裝設計師的文本分析閱讀能力提出了挑戰。對于服裝設計師來說，要對戲劇劇本的文本進行更加深入地分析和理解，獲取更多指導服裝設計的信息和線索。